martes, 3 de abril de 2012

El sonido y la furia Comentarios o advertencias breves sobre teatro, espectáculos y demases

Donde viven los monstruos


Cachafaz de Copi. Dirigida por Tatiana Santana.

x Martín Villagarcía

Por fortuna, poco a poco Copi va dejando de ser objeto fetiche de culto para obtener el reconocimiento masivo que necesita y merece. Un primer paso ya lo dio Stephan Druet en 2009 al estrenar Una visita inoportuna en el Konex con Moria Casán a la cabeza del elenco. Ahora le toca el turno a Tatiana Santana con su Cachafaz en el Teatro del Sur.

La obra fue dejada sin publicar por Copi antes de morir y se estrenó por primera vez en París en 1993. Sin embargo, es una pieza clave dentro de su obra (como lo es cada uno de sus cuentos, novelas, cómics, etc.), en tanto establece un diálogo directo con la Argentina que le es contemporánea. Copi escribió Cachafaz nada más y nada menos que en 1981, año en el que, como bien señala Daniel Link, se instala el debate en torno a qué forma estatal y qué lengua le conviene a la nación. Esto es así porque la obra es en realidad un poema escrito en la tradición gauchesca y, como lo exige ese género, hace enfrentar a través de la lengua el orden del estado con el orden de los insurrectos.

Cachafaz (Emilio Bardi) es un delincuente que vive en unión pecaminosa con la Raulito (Claudio Pazos), la loca del conventillo. El contrapunto entre los dos personajes instala un primer debate en torno a la estabilidad de los géneros. En un principio, el híper machismo de Cachafaz contrasta fuertemente con las maneras de la Raulito. Sin embargo, es esta última la que se tiene que poner los pantalones más de una vez para salir a defender lo que es suyo, ante la ley y ante la chusma, mientras que su amante apolilla cómodamente. Por otro lado, la feminidad de la Raulito lo convierte en mujer, al menos a los ojos de Cachafaz, quien se refiere a las otras como “mujeres sin pito”. Juntos deben enfrentarse solos contra todos, en tanto la abyección de su amorío llega a su punto más alto al momento en que matan al milico (Marcelo Lirio) que los viene persiguiendo. Así, la obra se transforma una vez más y adopta un carácter trágico, donde los dos deben afrontar la cólera de los dioses para permanecer unidos.

La puesta de Tatiana Santana es efectiva y captura acertadamente el tono y la lengua de la gauchesca y de Copi. La orquesta de músicos en vivo establece el tono de la obra desde entrada y las actuaciones son impecables, especialmente en el caso de Claudio Pazos en el papel de la Raulito.

Crítica a "Cachafaz" nuevo espectáculo que acabo de estrenar.

Cachafaz es la última obra que escribió Copi (Raúl Damonte Botana), nieto del fundador del diario crítica y de Salvadora Onrubias famosa abuela, conocida por anarquista y feminista de quién heredó su apodo. Pieza que lamentablemente el autor no pudo ver representada porque murió en 1987.
Con versos gauchescos, elementos del sainete y la tragedia nos ubica en una historia audaz y vertiginosa en un rancio conventillo de Montevideo, con personajes típicos que no se animan a cruzar el umbral.
Con su estilo particular, desvergonzado y con fino humor, Copi se replantea el mundo desde una nueva concepción de género y sus variados matices, remarcando y revisando los antiguos e inflexibles conceptos
Es la historia de la Raulito, un destartalado personaje, tal vez travesti, con excelsas aspiraciones, y “el cachafaz”, una especie de cafishio y guapo del lugar. Rodeados de vecinos que les recriminan su escandalosa moral.
La pareja desafía los límites, viviendo al margen de la ley, enfrenta y cuartea policías para calmar el hambre de la vecindad y asume su trágico final.
Muy buena puesta y dirección que aprovecha el amplio espacio que propone este bello teatro, destacando el necesario e impecable acompañamiento de la música en vivo, los ajustados coros, y las coreografías que revitalizan lo original y disparatado.
Claudio Pazos se luce con una Raulito delirada y tierna, mina fiel de una época, y Emilio Bardi compone al guapo compañero, que no encuentra la inspiración para la poesía de un tango, ambos resaltan la contundencia, y las conmovedoras metáforas de los versos del autor. MUY BUENA.

viernes, 10 de febrero de 2012

"Cachafaz"

Miércoles 08 de febrero de 2012 | Publicado en edición impresa

Bambalinas

Por Pablo Gorlero | LA NACION

bardi-pazos

Vuelve Cachafaz

Una nueva sala teatral se sumará a fines de marzo a nuestra ciudad en el barrio de Balvanera, y si bien todavía no tiene nombre, ya tiene un estreno programado. Cachafaz, ya un clásico de Copi, es la obra elegida por la directora Tatiana Santana para que se luzcan en esos personajes marginales y abrumados Emilio Bardi y Claudio Pazos en los papeles principales del Cachafaz y La Raulito, "guapos de conventillo al borde del hambre y de la delincuencia". Mecha Fernández en las coreografías y Rony Keselman en la composición musical aseguran un buen tratamiento en sus rubros.


miércoles, 26 de octubre de 2011

"Negra Leche del Alba" Crítica de "Criticunder"

“Negra leche del alba, en el Tadrón.”




Por: Patricio Pereyra.
patricio.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★

Es alguien que tiene lo que dije.
Lo lleva bajo el brazo, como un bulto.
Lo lleva como el reloj su peor hora.
Lo lleva de umbral en umbral, mas no lo arroja.

Esta prosa pertenece a Paúl Celan. Es parte de su primera publicación surrealista llamada Amapola y memoria, con la que alcanzó la fama en el año 1952. Este poeta rumano, de origen judío, junto a Patricia Suárez, Corina Fiorillo, Susana Di Gerónimo y Alejo Mango llevan a consagrar a Negra leche del alba como una clase magistral de TEATRO.


Se plantea un juego inquietante a partir de premisas, tan básicas como imprescindibles: talento actoral, una puesta minimalista radicada en una silla, la música de Rony Keselman, un juego de luces sobrio, recursos de una obra intima que logra apoderarse del espectador para trasladarlo a una inolvidable velada de viernes por la noche en el Tadrón.

Los textos de Suárez retratan dos personajes, en dos exquisitas composiciones actorales de Di Gerónimo y Mango, a los cuales la guerra los ha marcado. Ha marcado sus miserias, soledades, culpas, necesidades, vínculos, ha marcado su vida. Si a lo dicho, sumamos parte de la obra poetica de Celan, considerado el autor de lengua alemana más importante de la posguerra, y una precisa dramaturgia por parte de Fiorillo, los resultados no pueden ser otros que inmejorables.

Hay directores y dramaturgos admirables que pueden realizar teatro con tan solo una lata de paté en pleno desierto y lograrían público, inevitablemente, y el efecto que desearían en el mismo, porque saben lo que quieren, como lo quieren y cual es el camino que hay que tomar para llegar a buen destino porque cuentan con los herramientas para lograrlo. Un ejemplo es Corina Fiorillo.

Vino una calma y vino una tormenta
y todos los océanos vinieron.
Yo cavo y tú cavas e igual cava el gusano
y aquel remoto canto dice: cavan.

Ficha artística:

Autoría: Patricia Suárez
Actuan: Susana Di Gerónimo, Alejo Mango
Vestuario: Carlos Di Pasquo
Escenografía: Carlos Di Pasquo
Diseño de luces: Soledad Ianni
Música original: Rony Keselman
Fotografía: Soledad Ianni
Asistencia de dirección: Claudio Santibañez
Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin
Producción ejecutiva: Claudio Santibañez
Dirección: Corina Fiorillo

“Negra leche del alba.”

TADRON Teatro y café - Niceto Vega 4802 – Capital Federal.
Teléfonos: 4777-7976
Web:
www.tadronteatro.com.ar
Entrada: $ 50,00 y $ 30,00 - Viernes - 21:00 hs - Hasta el 30/09/2011

viernes, 16 de septiembre de 2011

Ballet de la fundación Julio Bocca presenta

En septiembre, el Ballet de la fundación Julio Bocca presentará su espectáculo “Nombre y Apellido IV” en el Parque Centenario.

Del 16 al 18 de septiembre a las 20 hs, se podrá disfrutar del nuevo espectáculo del Ballet de la Fundación Julio Bocca en el anfiteatro Eva Perón del Parque Centenario, ubicado en Leopoldo Marechal y Avenida Lillo. Este espectáculo, dirigido por Ricky Pashkus y organizado por la Dirección General de Música del Ministerio de Cultura Porteño, cuenta con el trabajo y puesta en escena de cuatro coreógrafos. En esta cuarta edición se podrá disfrutar de “DON SKA” de Mecha Fernández con música original de Rony Keselman y asistencia coreográfica de Patricia Ferraro; “Ramiro Gallo”, de Silvana Grill con música original de Ramiro Gallo; “Soledad de Soledad”, de David Señoran con música de Einstürzende Neubauten y Ludovico Einaudi; y “Corazón Bardo”, de Silvia Pritz con música original de Oscar Edelstein.
La entrada tiene un valor de $10, y se pondrán a la venta los días viernes 16, sábado 17 y domingo 18 de septiembre previo a las respectivas funciones. Las boleterías abrirán a partir de las 1

El ballet de la Fundación Julio Bocca se presentará en el Anfiteatro del Parque Centenario





lunes, 12 de septiembre de 2011

"Los fantasmas de la Patria ¡Ay matria mía!


Dirección: Arturo Bonin
SABADOS 20.30 horas. Centro Cultural de la Cooperación. Autor: Vicente Muleiro Actores: Mercedes Funes - Fabio di Tomaso Escenografía: Micaela Sleigh - Victoria Chacón Diseño de luces: Arturo Bonin Musica Original: Rony Keselman
Asistencia y producción ejecutiva: Claudio Santibañez

jueves, 1 de septiembre de 2011

BALLET DE LA FUNDACIÓN JULIO BOCCA

BALLET DE LA FUNDACIÓN JULIO BOCCA

DIRECCIÓN GENERAL: RICKY PASHKUS

PRESENTA:

Auditorio del Parque Centenario

16, 17 y 18 de Septiembre

20 horas

Localidades $10

Se pueden adquirir a partir de las 18 horas en la boletería del Auditorio.

Dirección: Leopoldo Marechal y Lillo Parque

Sinopsis

“Nombre y Apellido IV” reúne 4 coreógrafos unidos por este denominador común que es el Nombre y Apellido de sus obras y en sus obras.

Esta nueva entrega presenta “DON SKA” de Mecha Fernández con música original de Rony Keselman y asistencia coreográfica de Patricia Ferraro, “Ramiro Gallo” de Silvana Grill con música original de Ramiro Gallo, “Soledad de Soledad” de David Señoran con música de Einstürzende Neubauten y Ludovico Einaudi, “Corazón Bardo” de Silvia Pritz con música original de Oscar Edelstein.

viernes, 5 de agosto de 2011

Crítica del diario La Nación

Diario LA NACION

Espectáculos


Drama

Negra leche del alba

Con la mano maestra de Corina Fiorillo, dos actores que conmueven: Di Gerónimo y Mango

Viernes 05 de agosto de 2011 | Publicado en edición impresa
Negra leche del alba
Susana Di Gerónimo y Alejo Mango, en dos trabajos inolvidables. Foto LA NACION

Autora: Patricia Suárez / Dirección: Corina Fiorillo / Intérpretes: Susana Di Gerónimo y Alejo Mango / Escenografía y vestuario: Carlos Di Pasquo / Música original: Rony Keselman / Diseño de iluminación y fotografía: Soledad Ianni / Asistencia y producción ejecutiva: Claudio Santibañez / Sala: Tadron (Niceto Vega 4802) / Funciones: Viernes, a las 21 / Duración: 60 minutos
Nuestra opinión: muy buena

Tres gradas mirando al centro, que contiene una silla que será ocupada por los personajes. Nada más. Las paredes y las cortinas que nos separan del exterior son negras. Es una esquina de Buenos Aires y pasa algo. Dos actores impecables narran sus penas. Detrás de la guerra, detrás de los conflictos políticos, hay seres humanos con sus miserias y sus culpas, con sus desgracias y sus soledades, con sus conflictos internos y el no saber qué hacer para seguir adelante, huérfanos, hambrientos.

Si hay una directora que sabe calar hondo en la sensibilidad de la platea es Corina Fiorillo. Con Kalvkött, carne de ternera aún en cartel en el ciclo Teatro x la Identidad -que consiguió cinco merecidas nominaciones a los premios ACE-, en donde explora lo que deja en el alma el exilio forzoso, lo que se extraña, los pequeños detalles, aquella comida que nos cocinaba nuestra madre; nos trae ahora esta nueva propuesta con dos de los actores que integran aquella obra. Esta vez parte de la obra poética de Paul Celan y, con textos de Patricia Suárez, emprende una nueva búsqueda, pero que también parte de una situación social y política para aterrizar en aquellos seres que están atrás, los que sufren pero que para muchos son invisibles. Sólo dos monólogos alcanzan para desnudar a estos dos personajes en escena que van contando sus dolores, su falta de cobardía o su extrema valentía, siempre dependiendo del ángulo desde donde miremos sus acciones.

Una mujer con la cabeza cubierta con un pañuelo negro le habla a alguien que la está entrevistando para no sabemos qué, y no importa. Lo que sí importa, y mucho, es su pena. Llora la media hora que dura su relato, sin parar, con un llanto bajito, por momentos tímido, como si hubiese perdido el derecho a llorar; esa mujer, esa italiana que ha sufrido los embates de la guerra, cuenta que perdió todo, su marido, los dientes, el pelo, las ganas, todo menos el hambre que siempre estaba ahí. Su aspecto, tan expresivo, tan vívido, tan despojado de todo, recuerda a esos personajes cinematográficos del neorrealismo italiano, casi una postal de una película de De Sica.

Luego aparece él, primero nos da gracia, cuenta chistes; le habla a alguien que está detrás de la puerta. Es judío y ha padecido la ocupación alemana. Lo interesante es que los espectadores vamos entrando poco a poco en el relato sufrido, como si ese dolor estuviera siempre latente, a punto de estallar, y esa noche por fin lo vino a visitar. Y nosotros estamos presentes para escucharlo.

Jazmín Carbonell

lunes, 1 de agosto de 2011

"Negra leche del Alba" Crítica Revista 23


Teatro: Dos testimonios de la levedad del ser

“Como un reloj en su hora peor”

Negra leche del alba

De Patricia Suárez. Dirección: Corina Fiorillo
Con Susana Di Gerónimo y Alejo Mango. Música original: Rony Keselman

Los viernes a las 21 en Tadron Teatro y Café, Niceto Vega 4802. Entrada: desde $ 30

Negra leche del alba

Tiempo es de que la piedra pueda florecer”, dice el poeta armenio y judío Paul Celan. Acaso hable de la persistente resurrección de la esperanza aun en la peor hora de dolor. La dramaturga Patricia Suárez arropa en la oscura, surrealista, existencial poética de Celan dos retratos de desesperación. Negra leche del alba trae impreso aquel canto desgarrado en dos monólogos conmovedores, testimoniales, en los que la prolífica Suárez regresa a sus obsesiones: los terrores de la guerra; la crueldad del hombre sometiendo a otro hombre. La frágil resistencia de los seres comunes sobreviviendo a costa de su derecho a la dignidad por causa de hambre y de miedo. Son una madre italiana acusada de comercio sexual con el invasor; un judío prestidigitador aterrado por la soledad en compañía. Aunque el poemario críptico, elusivo de Celan, no se integre siempre a la elocuencia de la narrativa dramática, el sensible trabajo de Suárez prevalece, amalgamado por la dirección de Corina Fiorillo y por la virtud disuasiva de dos actores comprometidos. Susana Di Gerónimo y Alejo Mago proponen composiciones viscerales, vigorosas, contrastadas, capaces de instalar el espectáculo en un registro de verdad emocional que arrastre al espectador hacia las mismas agonías del alma zaherida por la impiedad ajena y la propia humana debilidad.

27.07.2011

viernes, 22 de julio de 2011

Crítica de "A las Cuatro" en Mendoza.

Mensaje en movimiento PDF Imprimir E-mail
Niños - Critica
Martes, 19 de Julio de 2011 15:19

A_las_4Vacaciones de invierno 2011. A la una, el escenario de fondo negro. A las dos, la música en el aire. A las tres, los personajes aún inmóviles con sus trajes brillantes. Y a las cuatro, la sala recibe a los verdaderos críticos de la cuestión. Sucede que la espontaneidad vuelve a los niños un público exigente. Si no les gusta la obra no tienen reparos en comentarlo en voz alta, preguntar cuánto falta o pedir ir al baño y la obra de danza teatro infantil A las cuatro no fue la excepción.

La hora completa en la que los ojitos sorprendidos fueron siguiendo cada movimiento entre risas y entusiasmadas intervenciones fue suficiente para cerrar la calificación del espectáculo. Pero para que esta crítica no sienta inútil su visita al teatro, veamos algunos puntos que hacen de la propuesta un acierto.

La historia se plantea como un recorrido musical por distintas situaciones en donde los dos personajes crean una especie de competencia por ganarse la simpatía del público. Cada episodio parte de sentimientos fácilmente reconocibles para el niño. Así entran en la tensión lúdica de la puesta el miedo, la sorpresa, la burla y el llanto.

Pero no son palabras precisamente las que sostienen el mensaje, A las cuatro se vale de movimientos y de música para transmitir su imagen. Y justamente la sincronización entre el cuerpo y los sonidos es el logro fundamental que vuelve sólida a la propuesta.

Otro de los recursos interesantes son los guiños a la estética televisiva. Los sonidos, la voz en off en español neutro y varios gags físicos son propios de los dibujos animados o shows para niños. De esta manera, la obra se conecta con su espectador desde una estructura mediática que le es familiar para luego construir su propio contenido y llegar incluso a entablar un diálogo desde un lenguaje ficticio.

Sin palabras reconocibles, A las cuatro se sostiene desde lenguajes paralelos sobre una puesta escénica despojada. El soporte musical se vuelve fundamental, la obra pasa por canciones originales, bases de jazz y versiones para niños de Mozart. Desde lo netamente visual, el vestuario remarca con sus colores y brillo el despliegue de los personajes en escena y los pocos objetos utilizados se insertan en la trama a la vez que demandan ser completados en algún punto desde la imaginación del espectador. A las cuatro es entonces una historia que entretiene desde el movimiento de sus palabras.

Gisella Ferraro

Ficha:

A las Cuatro. Con Yesica Canavese y Agustín Bruera. Vestuario: Andra Valez. Utilería: María Gabriela. Muñecos. Música original: Rony Keselman. Coreografía: Mecha Fernández. Libro: Mecha Fernández y Rony Keselman. Dirección y producción general: Nicolás Hemsy. Próximas funciones: 19, 20, 22 y 23 de julio en San Juan Resto Bar, a las 17:30. Domingo 24 a las 16, en Sala Lita Tancredi.

martes, 21 de junio de 2011

"A las Cuatro" llega a Mendoza


Una obra de Mecha Fernández y Rony Keselman
Coreografía: Mecha Fernández
Música Original: Rony Keselman
Producción Musical: Alejandro Spinelli
Vestuario y utilería: Silvia Copello
Con la actuación de: Yésica Canavese y Agustín Brueva
Dirección general y Producción: Nicolás Hemsy
TEATRO PLAZA PARADISO
CHACRAS DE CORIA
MENDOZA


Negra Leche del Alba

NEGRA LECHE DEL ALBA un espectáculo sobre dos monólogos de Patricia Suárez y una adaptación de la obra de Paul Celan - Con Alejo Mango y Susana Di Geronimo Dirección: Corina Fiorillo Esce y Vestu: Carlos Di Pasquo - Ilum y fotograf: Soledad Ianni Música Original: Rony Keselman Asistencia de Dirección: Claudio Santibañez
ESTRENO 1º DE JULIO
Viernes 21hs
Teatro Tadrón

viernes, 24 de diciembre de 2010

Portadores del Nuevo Amanecer Vol. 4

Presentamos el lanzamiento del Volumen 4 de Portadores del Nuevo Amanecer, un nuevo CD+DVD elaborado por Juan Ángel Moliterni y Rony Keselman. Este CD+DVD contiene las frecuencias del SOLFEGGIO. Se trata de frecuencias sagradas, las frecuencias Solfeggio son sonidos antiguamente utilizados en cantos gregorianos, donde al cantarlos se impartía una bendición y una gracia especial. Las frecuencias fueron redescubiertas por el Dr. Joseph Puleocomo, descritas en el libro de Leonard Horowit.

La estructura primordial del universo es sonido y geometría. Nuestras artes musicales ancestrales reflejan el sonido de la armonía universal. Todo es energia y la energía vibra con distintas frecuencias y patrones geométricos sonoros. La luz, la materia y el sonido se componen de diversas velocidades de vibración, y son el resultado de la octava a la que resuenan. Al vibrar las imágenes y el sonido en la conciencia del receptor, se activan las propiedades descritas en él. Algunas frecuencias tienen la capacidad de mejorar la percepción espiritual de la conciencia, ya que inducen a que la mente y el cuerpo empiecen a resonar con ellas. Cada frecuencia, realiza una función específica según las leyes del universo. Como manifestamos nuestra realidad de acuerdo con la lente con la que miramos, atraemos hacia nosotros aquello que nuestra conciencia necesita aprender y así casi siempre estamos atados a una percepción que nos ciega de la posibilidad de ampliar nuestro limitado punto de vista. Toda curación e iluminación espiritual necesita una corrección de la percepción. Tenemos que cambiar nuestro punto de vista a fin de alinearnos con la ley universal, en vez de luchar contra ella. La música puede favorecer esta integración. Su vibración hace que podamos olvidarnos de nosotros mismos y aprendamos poco a poco a vibrar en tonos superiores de conciencia. Se ha podido comprobar como estas frecuencias pueden alterar y modificar la vibración espiritual de las personas, ayudándoles en su crecimiento interior. Luego de muchos siglos de haber sido eliminadas del sistema musical tonal, han vuelto a salir a la luz. Por ejemplo, la frecuencia 528 relacionada con la nota MI sobre la escala se deriva de la frase “Mi-ra gestorum” que en latin significa milagro. Sorprendentemente esta es la frecuencia exacta usada por los bioquímicos genéticos para reparar el DNA roto - es decir la huella genética sobre la cual se basa la vida!

Los Temas:

1.- Equilibrio
2.- Bells
3.- Frecuencia
4.- Fundación
5.- Space
6.- Milagro
7.- Somos Uno

Precio: $40.- pesos para Argentina, 13.- dólares ó 10 euros para otros países (no incluye gastos de envío). Duración del CD: 60:06 minutos - duración del DVD: 31:50 minutos. Peso: 105 gramos, formato 190x135 mm.

viernes, 3 de diciembre de 2010

Sistema Poliedro 2010

Grupo 8: Obra concluida

El Grupo Poliedro numero 8, y luego de mas de un año de intercambio, acaba de dar por finalizada la obra Beckett x 8.
Paso a enumerar nuevamente a los compositores integrantes;

Castillo, Elena (México)
Gallardo Arbelaez, Jose A. (Colombia)
Keselman, Rony (Argentina)
Pulgar, Axel (Argentina)

El titulo esta vinculado al eje sobre el cual convinieron trabajar en común. Mas precisamente sobre el cuento "El expulsado", de Samuel Beckett.

Los dejo a la escucha de la reciente pieza compuesta, y a disfrutar!

jueves, 26 de agosto de 2010

EL PRÍNCIPE AZUL - GIRA NACIONAL E INTERNACIONAL

AGOSTO 2010.

VIERNES 27 A LAS 21 HS TEATRO DEL PASILLO. COLOMBRES 35 ALMAGRO ENTRADA 30 PESOS.

LUNES 30 A LAS 18 HS. CENTRO CULTURAL ALFONSINA STORNI. TUCUMAN 3233. ABASTO. AUSPICIADO POR LA SUBSECRETARIA DE CULTURA DEL MNISTERIO DE CULTURA G.C.B.A

SEPTIEMBRE 2010


VIERNES 3 A LAS 21 30 HS, TEATRO LA SODERIA VIDAL 2549 BELGRANO ENTRADA GENERAL 50 PESOS.

VIERNES 10 A LAS 21 30 HS, TEATRO LA SODERIA. VIDAL 2549. BELGRANO. ENTRADA GENERAL 50 PESOS.

SABADO 18 A LAS 22 HS. ESPACIO CULTURAL SUPER ARTE BELGRANO 1705 LONCHAMPS. ENTRADA GENERAL 30 PESOS.

SABADO 25 A LAS 22 HS. ESPACIO CULTURAL SUPER ARTE. BELGRANO 1705 LONCHAMPS . ENTRADA GENERAL 30 PESOS.

OCTUBRE 2010.

SABADO 2 A LAS 2130 HS. TEATRO LA NONNA .CALLE 47 ESQUINA 3 . LA PLATA. ENTRADA GENERAL 30 PESOS.

VIERNES 15 A LAS 21 HS, CENTRO CULTURAL MARCO DEL PONT. ARTIGAS 202. FLORES. ENTRADA A LA GORRA.

VIERNES 22 A LAS 21 HS, CENTRO CULTURAL MARCO DEL PONT. ARTIGAS 202 FLORES ENTRADA A LA GORRA.


EN ENERO 2011 NOS VAMOS A MEXICO A REPRESENTAR A LA ARGENTINA ,ELEGIDO POR LA SECRETARIA DE CULTURA DE MEXICO.

AGRADECEMOS QUE VENGAS A VERLA, HAY 2X1 PARA AMIGOS. Y SI TENES GANAS PASALO A TUS CONTACTOS.

sábado, 13 de febrero de 2010

El Príncipe Azul. Crítica Diario La Nación

Príncipe azul. Musical de cámara basado en la pieza homónima de Eugenio Griffero. Intérpretes: Manuel Feito y Marcelo Durán. Música: Rony Keselman. Letras de canciones: Matías Puricelli. Escenografía y vestuario: René Diviú. Diseño de luces: Puricelli-Cuello. Coach vocal: Patricio Arellano. Asistente de dirección: Sergio Rodolao. Puesta en escena y dirección general: Rubén Cuello. En el Los Angeles (Corrientes 1764). Sábados, a las 22. Duración: 60 minutos.

Historia de amor sin tiempo, entre dos hombres


Sábado 13 de febrero de 2010 | Publicado en edición impresa

Nuestra opinión: buena

Dos hombres se encuentran treinta años después de haberse conocido. Una intensa historia de amor los unió entonces. Y aunque no hubo posibilidades de que ella se desarrollara, ambos la llevan en su recuerdo y buscan cumplir ahora aquella promesa que se hicieron cuando, siendo muy jóvenes, se separaron: volver a encontrarse, un día de un año establecido, a determinada hora y en el lugar que fue testigo de unos momentos que no han podido olvidar.

Estrenada en la década del 80 Príncipe azul es, sobre todo, una pieza de personajes sensibles que dan cuenta de la gran imposibilidad de vivir a fondo una historia de amor entre hombres. Pero Eugenio Griffero también, a partir de esos seres, devela unos mundos internos convulsionados que ni siquiera han logrado desarrollarse personalmente, y para quienes sostener un viejo recuerdo es como un anclaje en la vida que llevan. La nostalgia no detiene ese acto de vivir cotidiano, por el contrario, lo fortalece, aunque muchas cosas que rodean a los personajes estén sumamente ligadas a la decadencia.

La versión musical de cámara que acaba de estrenarse en el Los Angeles lee la pieza de manera más directa y, aunque desde el inicio hace hincapié en la historia homosexual, eso no le hace perder las cualidades primitivas al original. Rubén Cuello como director sabe sostener ese misterio que rodea a los personajes y que tiene que ver con quienes son ellos en el presente de la escena. Sus recuerdos afloran seguros, por momentos son conmovedores y las canciones, que son muy pocas y sólo permiten enfatizar ciertas situaciones, no quiebran con una acción que fluye, sobre todo, porque la relación entre ambos intérpretes se va fortaleciendo a medida que avanza el drama.

Tanto Marcelo Durán como Manuel Feito, si bien se muestran algo dubitativos cuando comienzan a transitar a sus criaturas, van ganando en seguridad a medida que las anécdotas de sus vidas van apareciendo, sumándose, exponiendo unos mundos privados que tienen sus riquezas para la atención del espectador.

La escenografía y el vestuario de René Diviú resultan un buen aporte a un mundo casi de ensoñación que la puesta busca dibujar, engrandeciéndolo y tornándolo sumamente efectivo.

Carlos Pacheco

jueves, 14 de enero de 2010

El Príncipe Azul, un musical de cámara


Protagonistas: Marcelo Durán, Manuel Feito. Letras de las canciones: Matías Puricelli. Música original: Rony Keselman. Dirección y Puesta en Escena: Rubén Cuello.
Multiespacio Los Ángeles. Sábados 22hs.

viernes, 11 de diciembre de 2009

Fiesta del Teatro Programación Villa Carlos Paz

VIERNES 20 DE NOVIEMBRE

AMORCITOS




Día y Hora: Viernes 20 – 10:30 hs.
Sala: Teatro Bar

"Amorcitos" nos invita a compartir un viaje a través del tiempo; adentrarnos en diferentes épocas, razas, costumbres y lugares para descubrir, imaginar y fantasear con el amor.

Grupo: EGOS
Elenco: Alejandro De la O, Noralía Savio
Autor: Mecha Fernández- Rony Keselman
Asistente General: Cecilia Di Marco
Técnicas: Vanesa Toranzo, Luciana Conci

Dirección: Mecha Fernández- Rony Keselman

Duración: 50'

martes, 24 de noviembre de 2009

Portadores del Nuevo Amanecer Vol. 3

Nuevo Lanzamiento Mundial

"PORTADORES DEL NUEVO AMANECER VOL. 3"

Juan Ángel Moliterni - Rony Keselman

Presentamos el lanzamiento del Volumen 3 de Portadores del Nuevo Amanecer, un nuevo CD+DVD elaborado por Juan Ángel Moliterni y Rony Keselman, y con la participación especial de Cecilia Baraz (www.ceciliabaraz.com.ar) . Este CD+DVD es completamente diferente a los anteriores. Los 11 temas del CD representan un viaje del alma. Encontrarás temas instrumentales y otros cantados. Todos los temas musicales, como campos de vibración, están interconectados, son como hebras de un infinito y expansivo tejido.

La Ascensión tiene su propia resonancia. Y este efecto de la resonancia puede ser expresado en la música y el arte, comportándose de igual manera. La habilidad para sincronizar tonos y sintetizar campos resonantes constituye tanto un arte como una ciencia. Este es el tiempo cuando el lenguaje será transmutado en una nueva forma de comunicación que exhiba los apremiantes rasgos de la Realidad Fuente en un arte-de-energía-y-vibración que resuene con la Evolución-Ascensión-Transformación.